Primeira empresa estadual do segmento no Brasil, o Governo do Estado inaugurou no final de junho a Bahia Filmes. A ação integra o Plano Plurianual (PPA) 2024-2027. O objetivo é fortalecer a cadeia produtiva do setor, ampliando as oportunidades para produtores, realizadores e empresas baianas.

Durante o lançamento, foi apresentado o primeiro conjunto de investimentos que integra a atuação da companhia. O pacote inicial reúne R$ 46 milhões distribuídos em linhas de investimento voltadas à comercialização de obras audiovisuais e do Programa Arranjos Regionais Bahia, realizado em parceria com o Ministério da Cultura e a Fundação Cultural do Estado da Bahia (Funceb).

Os editais estarão disponíveis no site da Bahia Filmes.

Vinculada à Secretaria de Cultura do Estado da Bahia (Secult-BA), a instituição atuará em diversas frentes. Entre elas, na captação de investimentos públicos e privados; apoio à distribuição e comercialização de obras; atração de produções para o território baiano; a formação profissional; a promoção de talentos e empresas do setor; e o desenvolvimento de novos negócios.

A Bahia Filmes foi criada por meio da Lei Estadual nº 14.877/2025 e nasce como uma sociedade de economia mista. É resultado de um processo de construção em diálogo com o setor.

O ato de lançamento foi realizado na sede da empresa, no edifício Oscar Cordeiro, no bairro do Comércio, em Salvador, e reuniu representantes do Governo da Bahia, profissionais do setor audiovisual, artistas, produtores, comunicadores e instituições parceiras.

Além da Bahia Filmes, o edifício recebe a Diretoria de Audiovisual da Fundação Cultural do Estado da Bahia (DIMAS) e a Cinemateca, que vai ser a casa do cinema baiano.

"A criação é resultado da parceria com o Governo Federal, e a retomada do Ministério da Cultura nos fortalece e garante que teremos uma política com repercussão nacional na Bahia", celebrou o governador Jerônimo Rodrigues.

Durante a solenidade, o chefe de Estado anunciou o decreto que regulamenta a Bahia Film Commission, além do lançamento dos editais de contrapartida do Programa Arranjos Regionais, do Edital de Chamamento Público para Comercialização em Sala de Cinema e da concessão do Cine Glauber Rocha.

Fortalecimento do setor

De acordo com o secretário de Cultura do Estado, Bruno Monteiro, “a Bahia Filmes chega para fomentar novas produções, ampliar as possibilidades de comercialização das obras baianas e fortalecer toda a cadeia produtiva do audiovisual, gerando impactos econômicos e culturais em diferentes áreas”.

Monteiro destacou que, “com os avanços da tecnologia, o audiovisual se tornou um universo muito mais amplo, exigindo uma estrutura capaz de integrar formação, produção, inovação e captação de investimentos, fortalecendo o diálogo entre os diversos atores do setor”.

O diretor-presidente da Bahia Filmes, o cineasta baiano Pola Ribeiro, ressaltou que a empresa nasce para coordenar o novo ambiente de produção audiovisual. "Com a tecnologia, cada pessoa tem no bolso um equipamento que é câmera, grava som, guarda a memória, edita e utiliza inteligência artificial. E a gente precisa de uma estrutura que, de alguma forma, coordene esses pensamentos para não perdermos oportunidades".

Com informações de Ascom Gov Bahia e Setur BA - Fotos:  Thuane Maria GOVBA

Siga o Jornal do Sol no Instagram

LEIA TAMBÉM:

O teatro como espaço de provocação em "Atendendo a Pedidos"

Prefeitura de Porto Seguro abre processo seletivo para a Secretaria de Educação

Socicam segue na gestão do superlotado Aeroporto Internacional de Porto Seguro

Jovem de Porto Seguro vence torneio milionário do jogo de celular Candy Crush

Instituto Portobello Hotéis realiza 2ª edição do “Prêmio Honra ao Mérito”

Coluna Teatro

Resenhas críticas – Porto EnCena – 2ª Edição

Nesta sexta-feira, dia 29 de maio, a continuidade da Coluna Teatro, que tem por objetivo publicar - nesse primeiro momento - resenhas críticas dos espetáculos apresentados no Festival de Teatro Porto EnCena – 2ª Edição, traz a análise do Teatro Imersivo 3D 'Desastroso Carnaval', por Keila Araújo - professora na UFSB e coordenadora do projeto de extensão Mútua - Grupo de leitoras(es) que escrevem literatura; além de Jamile Alexandrino- estudante da Licenciatura em Linguagens e suas Tecnologias na UFSB, pesquisadora na Iniciação Científica. A Coluna é uma parceria com a Universidade Federal do Sul da Bahia (UFSB) e o Jornal do Sol.

A experiência sensorial da história da Bahia em Desastroso Carnaval, teatro imersivo com tecnologia 3D

Desde a chegada ao espaço reservado para a apreciação de Desastroso Carnaval, o público já adentra em uma experiência singular. A equipe recebe cada pessoa, oferece uma cadeira ali na área externa do Centro de Cultura, estão todos ao redor, mas, quem põe no rosto o equipamento de imagem em 3D e ativa a exibição escolhe entre as três perspectivas da história e já é transportada para a Salvador do início do século XIX e revisita momentos marcantes da história da Bahia, em especial o martírio da abadessa Joana Angélica, em 1822.

A obra se constrói como um mosaico de perspectivas, a mesma situação é apresentada em três versões diferentes, revelando olhares múltiplos sobre o acontecimento. O uso de recursos de som ambisonics intensifica o efeito imersivo da experiência, pois as cenas dos vídeos são acompanhadas de um áudio espacial que captura e reproduz sons em todas as direções frente, trás, lados e até acima e abaixo criando uma experiência sonora que simula a vivência direta. A montagem também segue uma direção fragmentada, a montagem ucrônica como método, e leva o público a visualizar versões diversas do mesmo acontecimento, notar contrastes e fazer parte das possíveis conexões de sentido. Com os óculos 3D que permitem acessar os efeitos do som e imagem próprios do cinema tridimensional, cada pessoa atravessa a cena, sente o espaço e vivencia os acontecimentos como observador de uma realidade deslocada no tempo e no espaço. É como se memória, arte e tecnologia se entrelaçassem para dar corpo a uma experiência que deixa de ser categoricamente externa para se  expandir dentro de cada espectador por meio dos efeitos sensoriais da produção.

A narrativa se abre em meio ao caos de um carnaval inesperado em 1822, marcado por confusões e desastres que mudariam para sempre a história da Bahia. No centro desse turbilhão, está o episódio trágico da morte da abadessa Joana Angélica, que, ao tentar impedir a invasão do Convento da Lapa por soldados portugueses, foi brutalmente assassinada. Seu gesto de coragem a transformou em mártir da Independência e símbolo da resistência contra a opressão colonial.

O desdobramento da história em versões traz Urânia Vanério, ainda menina, que testemunhou a cena e registrou sua visão inebriada pelo olhar da infância. O Brigadeiro Madeira de Mello, envolvido diretamente nos conflitos, oferece sua interpretação marcada pela lógica militar e pela política da época. E, por fim, surge a voz da própria Joana Angélica, que nos conduz ao íntimo de sua decisão e ao peso de seu sacrifício.

A cenografia recupera uma ambientação de época bastante precisa quando as filmagens acontecem nos espaços internos e externos de prédios históricos do estado da Bahia, embarcações e portos. Os métodos de montagem criam efeitos de imagem instigantes como a visualização de elementos do cenário que aparecem estáticos, enquanto o plano de fundo permanece em movimento. O deslocamento temporal se acentua ainda mais com figurinos bastante elaborados e coerentes com o universo da época, enquanto o uso de máscaras traz uma forte marca do teatro e seu lastro histórico, também as expressões corpóreas e os gestos contrastam com o caráter fílmico e reforça a estética teatral da produção.

A condução da obra segue uma proposta experimental que ativa referências da história dos fatos, remetendo ao passado, em contraste com recursos de tecnologia recente para manter um constante movimento entre passado e presente a ponto de criar uma atmosfera que beira o onírico e surpreende o público com cenas de impacto e estranhamento.

O Desastroso Carnaval ultrapassa os limites do teatro e do cinema tradicionais ao unir memória histórica, tecnologia e sensibilidade artística em uma experiência verdadeiramente imersiva. A escolha de revisitar o martírio de Joana Angélica por meio de múltiplas perspectivas (Urânia Vanério, Brigadeiro Madeira de Mello e a própria freira) confere densidade e complexidade à narrativa leva o público partícipe a compreender não apenas os fatos, mas também as emoções e contradições que os cercam. Assim, a obra se consolida como uma experiência inovadora e profundamente humana, capaz de transformar um marco histórico em vivência sensorial e crítica, reafirmando o poder da arte como dispositivo de memória, resistência e reinvenção.

O site Himersoteca mantém as potencialidades da imersão e apresenta um mapa interativo com acesso aos ambientes e cenas de Desastroso Carnaval, além de apresentar dados sobre o processo de produção das filmagens e da edição da obra que já chegou a mais de mil e duzentos estudantes das escolas de ensino médio da rede estadual da cidade de Porto Seguro, como retorno social do projeto fomentado pela FAPESB/SECTI Edital Metaverso no 2 de julho.

Ficha técnica de Desastroso Carnaval:

Autor: Leonardo da Silva Souza

Pesquisa histórica: Vanilda Salignac e Dr. Leonardo Souza

Pesquisa dramatúrgica: Leonardo Souza e Éder Rodrigues

Trilha sonora: Daniel Fils Puig

Design de Som: Fábio Janhan

Design de Máscaras: Pâmela Peregrino

Dramaturgia: Leonardo Souza

Tecnologia: Leonardo Souza

Intérpretes:

Robson Vieira

Priscila de Cássia

Silvia Lira

André Simião

Fabrício Godinho T

Tânia F.

Thiago N.

Nayara Moura

Lorrana Amparo

Bolsistas:

Robson Vieira

Priscila de Cássia

Mateus Moura

Daniel de Jesus

Marcely Gomes

Filipe de Souza Couto

Nayara Moura

Voluntários:

Sabrina Piloto

Maiara Scher

Beatriz N.

Coluna Teatro

Resenhas críticas – Porto EnCena – 2ª Edição

Nesta sexta-feira, dia 12 de junho, a continuidade da Coluna Teatro, que tem por objetivo publicar - nesse primeiro momento - resenhas críticas dos espetáculos apresentados no Festival de Teatro Porto EnCena – 2ª Edição, traz a análise do espetáculo Bloco da Lua Vermelha, do Grupo SomaCorpo, por Paola Muniz Santos Santana, estudante da Licenciatura interdisciplinar em Linguagens e suas Tecnologias - UFSB, integrante do Mútua; e de Keila Araújo, Professora da UFSB, coordenadora do Mútua - Grupo de Leitoras(es) que escrevem literatura. A Coluna é uma parceria com a Universidade Federal do Sul da Bahia (UFSB) e o Jornal do Sol.

Festa sensorial do corpo na coletividade - espetáculo Bloco da Lua Vermelha, do Grupo  SomaCorpo de Teatro

Como condensar o Carnaval da Bahia em um espetáculo e poder levá-lo a qualquer lugar do mundo? A apresentação da peça teatral Bloco da Lua Vermelha (Grupo SomaCorpo de Teatro) trouxe uma vasta sensação de euforia que se prolongou para além do dia 27 de  março, trazendo a experiência do carnaval de rua para dentro do teatro do Centro de Cultura de Porto Seguro (BA), reafirmando os impactos do Festival Porto EnCena.

A obra inicia-se com a celebração do carnaval, quando o elenco realizou apresentações de dança, canto e música, com atabaques e apitos, para demonstrar o entusiasmo característico da ocasião. A direção compôs um espetáculo em que a coletividade se torna protagonista e, além de quebrar a quarta parede em comunicação direta com o público, há forte presença das mobilizações próprias do teatro interativo, que inclui o público no tempo, espaço e trama da peça. A proposta da peça é instantaneamente aceita pelo público presente, que interage com atores ali, já no meio da plateia, participaram com palmas, cantaram alto, se tornaram parte do movimento que ocupou todos os espaços do Centro de Cultura.

Os jogos da iluminação estão em sincronia com os movimentos do corpo do elenco na expressão da dança, que vem de dentro, e fazem parte da composição que amplia toda a linguagem dos corpos em movimento interacional. Toda a ambientação foi preparada para a experiência sensorial das pessoas ali presentes, seja pelas referências trazidas a partir das religiões afro-brasileiras, seja pelo significado da lua vermelha, que vai mudando de fases e que vai subindo no alto do espaço conforme o enredo se estende.

Os personagens são envoltos em mistérios, credos, lendas e mitos. Temos, por exemplo, a personagem Cassandra, uma bruxa cartomante que tem o dom de falar com a lua; temos a apresentação da Rua Meia Nove, onde todo o enredo acontece, composta por dois personagens que representam a força ancestral de Exu e Pombagira (entidades ligadas às religiões afro-brasileiras); um homem que vira “lobo”; uma mãe preocupada; uma filha que parte daquela cidade, cujas oportunidades são escassas, e retorna inspirada pela saudade; uma policial ríspida, que muda de personalidade conforme a história se desenvolve; sem falar na personagem fofoqueira, que compõe grande parte do humor da peça; um vendedor ambulante, que transmite alegria; e, ainda, a imagem da mulher provedora, representada pela personagem Afrodite.

Todo esse conjunto de personas e referências forma a composição da peça, sendo possível relacionar essas personalidades à sociedade contemporânea. O espetáculo desenvolve-se fielmente com a fantasia e as crenças populares que estão bastante atuantes hoje, quando a resistência se faz re-existência, e as crenças dos povos tradicionais retomam forças graças ao crescente número de pessoas que estão experienciando uma retomada das tradições daquelas(es) que vieram antes, em uma busca pelos saberes e experiências da ancestralidade, que fez da festa, da carnavalização das dores, das lutas, o poder de fazer brotar a vitalidade da alegria como tecnologia de sobre-vivência.

Em certo estágio, a peça vai se afastando da euforia do bloco para um outro lado da vida que não precisaria ser experienciado, não fosse a política de matar e deixar morrer os grupos minorizados, conforme conceito de necropolítica de Achille Mbembe. Nessa direção, um dos pontos mais marcantes vem do ápice do processo de percepção que o público vai construindo ao longo da história, pois o espetáculo trabalha com a ficção presente nos personagens; entretanto, torna-se compreensível que a peça, em si, não é sobre carnaval, bruxas ou lobisomens, mas também está dedicada às violências que avançam para cercear os movimentos de liberdade da expressão da vitalidade desejante e criativa das mulheres, causados pela misoginia e pela miséria intelectual (Márcia Tiburi) que motiva a vertente violenta da masculinidade.

A peça é uma crítica extremamente importante, apresentada justamente no mês das mulheres, em um ano em que o índice de feminicídio denuncia uma urgência por justiça e por políticas públicas dedicadas ao respeito às diversidades de gênero e defesa da vida. Vale ressaltar que o espetáculo traz algumas falas densas, especialmente pelo personagem do lobo, o que pode causar forte impacto ao(à) espectador(a), principalmente em pessoas mais sensíveis ou que vivenciaram situações violentas relacionadas à história.

Mais uma vez, a direção e atuação do elenco ressignificam a atmosfera densa, transformando-a nas falas das personagens femininas, que compreendem aquele contexto e revertem em denúncia as situações de ameaça a suas vidas e emitem críticas que fomentam a mensagem principal transmitida pelo espetáculo.

Outro ponto que destaca o trabalho de produção de arte da direção e do elenco é a composição de dois finais para o espetáculo: um desfecho que se encerra em tragédia, denunciando as ocorrências do mundo real, infelizmente, e outro em que a alegria é poeticamente expressa pelos personagens, mostrando que certos finais podem ser diferentes. Precisamos que sejam diferentes.

Por fim, o espetáculo é altamente convidativo e mobiliza fortes reflexões sobre o  tema proposto. Toda a composição do espaço foi pensada para prender a atenção da plateia, que se torna parte da obra, pois facilmente entram em estado de catarse causado por um misto de emoções, envolvidos na atmosfera criada. O enredo é transformador, as falas são urgentes em nosso contexto e a reflexão sobre o tema não se esgota, levando o público a querer assistir ao espetáculo novamente.

Coluna Teatro

Resenhas críticas – Porto EnCena – 2ª Edição

Nesta sexta-feira, dia 1 de maio, a continuidade da Coluna Teatro, que tem por objetivo publicar - nesse primeiro momento - resenhas críticas dos espetáculos apresentados no Festival de Teatro Porto EnCena – 2ª Edição, traz a análise do espetáculo 'A Caixinha de Papelão', por Keila Araújo - professora na UFSB e coordenadora do projeto de extensão Mútua - Grupo de leitoras(es) que escrevem literatura; além de Maria Júlia de Moraes e Mariana Souza Campos, estudantes da Licenciatura Interdisciplinar em Linguagens da UFSB e integrantes do Mútua. A Coluna é uma parceria com a Universidade Federal do Sul da Bahia (UFSB) e o Jornal do Sol.

Espaços criativos para a infância - A caixinha de papelão, A Patela Cia. de Teatro 

O público foi pego de surpresa: os atores, totalmente incorporados em seus personagens, desceram correndo pelas mesmas escadas por onde o público veio. E, desde o momento em que Maria de Lourdes grita para Loreto, já imersos na brincadeira, a atenção do público era toda deles.

A trama de “A caixinha de papelão” (A Patela Cia de Teatro) gira em torno da riqueza da imaginação na infância. De tudo se faz  brinquedo. Toda curiosidade vira jogo. Os personagens estão, constantemente,  envolvidos em jogos, brincadeiras, anedotas, pensando em desafios e vivendo descobertas. Entre as brincadeiras de todos os dias, surge um elemento simbólico importante, a caixinha de papelão, que desperta curiosidade ao longo da peça e só é aberta no final, depois de um longo e divertido jogo na disputa por quem iria abrir a misteriosa caixa primeiro.

A peça é um recorte, mas consegue representar muito bem toda a potência criativa das crianças quando têm tempo e espaço adequados para a imaginação na própria rotina. Toda a ambientação é composta para criar um ambiente analógico para a infância, valorizando atividades manuais como o desenho, dobraduras e a ressignificação de objetos do próprio lugar. O tapete colorido lembra os tapetes de retalho tão presentes nas memórias dos adultos e também lembra o quintal, o gramado, o espaço aberto para o brincar que toda criança reconhece ou deveria ter a oportunidade de reconhecer. A produção leva o público adulto a reconhecer a importância do ambiente lúdico e do tempo livre para que as crianças possam dar vazão à curiosidade e à criatividade. Já o público infantil poderá identificar-se, em algum momento, nas cenas em que os personagens fazem maçãs, chuchus e palitos se transformarem em animais de brinquedo, tal qual a personagem do livro Bem do seu tamanho, de Ana Maria Machado.

Assim, a peça inspira as famílias a criarem oportunidades para que as crianças experimentem o brincar como possibilidade de recriar o mundo, quando elas têm a liberdade para transformar objetos simples em experiências imaginativas, pois além de tempo de fruição da vida, a brincadeira é uma forma de experiência, de fluxo da memória e remodelam os processos de aprendizagem, lembrando as análises do filósofo Walter Benjamin em seu texto “Reflexões sobre a criança, o brinquedo e a educação” (1930). E é muito provável que o público saia da peça concordando com Benjamin no entendimento de que “Nunca são os adultos que executam corretamente aquilo que imaginam ser brinquedos apropriados para crianças.”

No âmbito interno deste grande jogo em torno da caixa, os personagens se envolvem em brincadeiras com dobraduras, quando Maria de Lourdes e Loreto  fazem origamis e, depois, trocam as criações entre si. O público adulto é levado a visualizar, talvez, um recorte das próprias brincadeiras de infância sem aparelhos de celular e internet, sem apelo nostálgico, mas quase um olhar fílmico das próprias memórias; enquanto as crianças presentes no teatro se divertem por ainda se reconhecerem nas brincadeiras da presença do corpo nos lugares reais. A extensa rede de brincadeiras envolve as pessoas presentes nos jogos de adoleta, nos efeitos de interação da música, das palmas e das expressões de linguagem facilmente identificáveis que contribuem para a integração do público, principalmente as crianças, às cenas do espetáculo. A direção de Marcel Luiz e co-direção de Robson Vieira conseguem manter um ritmo dinâmico para a peça, prendendo a curiosidade do público para o desfecho, mas também envolvendo a todos no intenso fluxo criativo das brincadeiras e dos jogos criados pelos personagens.

Em determinado momento, os personagens deixam de ser atores de sua própria história e se tornam narradores também, quebram a quarta parede e decidem contar ao público a história da caixinha de papelão: todo o jogo de disputas girava em torno da caixinha de papelão que Loreto recebe do Seu Tomazinho da venda. Trata-se de um presente a Loreto que havia realizado corretamente a lição de matemática. Entretanto, Loreto não abre a caixa e corre para mostrá-la a Maria de Lourdes. Eles se dividem em narrar os acontecimentos desde a chegada da caixa, sem deixar de lado algumas peripécias, que, em diversos momentos, levam o público ao riso. Eles revezam a posse da caixinha, mas não conseguem abri-la, o tempo passa e então se encontram para tentar abri-la juntos, sem sucesso.

A interpretação de personagens que são crianças exige uma carga maior de espontaneidade da atriz Lorrana Amparo e do ator Fabrício Godinho, especialmente nas interações e nas mudanças de papéis dentro da própria peça, o que se confirma com tanta fluidez que o público se vê naquele ambiente mágico do brincar que toma o tempo sem que se perceba a sua passagem. Até que a mãe chame para o banho e para o jantar, até que as pessoas se percebam adultas e já distantes daquela realidade criativa, para a qual o teatro cria um portal de encontro com o que ainda permanece: o desejo pela fruição do tempo e pelo deleite da vida.

No fim de tudo, todas as pessoas presentes no teatro são levadas a compreender que o que a caixinha guardava era menos importante do que o próprio mistério que ela representava.